Trilhas Marcantes: Vertigo - Um Corpo que Cai (1958)

Uma das obras mais citadas da filmografia de Alfred Hitchcock, Um Corpo que Cai é um suspense sobre medo e obsessão, que coloca o espectador dentro de um jogo psicológico construído pela direção certeira do cineasta.

E, para complementar o filme e criar a atmosfera necessária para o longa atingir seu objetivo, a trilha sonora composta por Bernard Herrmann cai como uma luva. Colaborador habitual de Hitchcock, o compositor é responsável por um dos temas mais reconhecíveis da história do cinema, o de Psicose. Em Um Corpo que Cai, Herrmann criou uma trilha construída em círculos e espirais, exatamente como o Hithcock representa o medo de altura do personagem vivido por James Stewart.

Se o diretor, mestre do suspense, sempre estava rodeado de excelentes profissionais, Bernard Herrmann era um deles. As colaborações dos dois criaram momentos únicos na sétima arte, graças a capacidade do compositor de entender exatamente cada cena que Hitchcock idealizava para seus filmes. Confira abaixo o tema principal de Um Corpo que Cai, recentemente usado por Lady Gaga em seu clipe Born This Way (as referências da garota vão longe!).

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Crítica: Jogo de Poder

Durou pouco a desculpa da Casa Branca pra iniciar uma guerra contra o Iraque, logo depois do ataque de 11 de setembro de 2001. O presidente Bush, com seu discurso de "guerra ao terror", veio a público dizer que uma luta era inevitável para a manutenção da paz. Os EUA começaram a sua batalha contra o país de Saddam Hussein com o pretexto de encontrar e neutralizar armas de destruição em massa. A desculpa durou até outras informações começaram a vazar. Fontes da CIA desmentiram qualquer indício de armas nucleares, que de acordo com Bush eram montadas no Iraque. E o governo fez de tudo para abafar e desqualificar qualquer tipo de vazamento por parte de sua agência de inteligência.

O mais absurdo desses casos foi o que deu origem à trama de Jogo de Poder, filme de Doug Liman que chega aos cinemas brasileiros nesta sexta-feira. Valerie Plame (Naomi Watts) era uma agente da CIA no comando de operações de contra proliferação de armas de destruição em massa. Sua tarefa era a de buscar informações a respeito destas prováveis armas, reunir os fatos e através deles, concluir quais eram verdadeiros ou não. Em uma investigação do tipo, começam a surgir indícios da compra de tubos de alumínio para o refinamento de urânio por parte do governo iraquiano. Como o urânio tinha como provável origem o país africano de Níger, Plame indica seu marido, Joseph Wilson (Sean Penn), diplomata que já havia atuado naquele país para ajudar na investigação. Wilson concorda e também conclui que não há nada que indique a produção de armas nucleares. Algum tempo depois, Bush inicia a invasão ao Iraque, seguindo exatamente o pretexto envolvendo o urânio africano.

Logo no início do longa, Liman coloca o personagem de Penn em situações que confirmam um forte engajamento político do diplomata, assim como grande convicção de seus ideais. Pois é justamente isso que leva Wilson a escrever um artigo para o New York Times com a sua versão dos fatos, causando um grande incômodo para o governo norte-americano. Em uma atitude maquiavélica, a Casa Branca vaza para a imprensa a ocupação de Valerie na CIA, na tentativa de desviar a atenção do público para a vida pessoal do casal.

Responsável por levar Jason Bourne para o cinema, Liman não perde o ritmo ágil de sua câmera nos primeiros 40 minutos do longa. A partir daí, sem quebrar a tensão e sem parecer arrastado, o roteiro passa a analisar mais o lado humano dos personagens e como toda essa reviravolta poderia afetar suas vidas. De thriller político, Jogo de Poder passa para o drama e para o confronto de ideias. Wilson começa uma guerra inconsequente contra a Casa Branca, arriscando sua carreira e levando uma parcela da população a considerá-lo traidor de sua pátria. Plame, agente da CIA há 18 anos não consegue ter a mesma convicção do marido e por um senso de patriotismo distorcido, mantém-se calada a respeito de tudo. Até perceber o ponto onde tudo estava indo longe demais. E é justamente aí que a película encontra sua força, nas relações entre os personagens e nas interpretações de Penn e Watts.

É importante ressaltar que o filme é bem claro em suas mensagens. Não é anti-americano e nem propaganda esquerdista. O fato é que a história em si depõe contra as ações da Casa Branca. Não precisa ser panfletário para causar asco ao mostrar um membro do governo cogitando vazar uma informação que poderia levar até mesmo à morte de uma agente que jurou defender seu país e assim o fez por quase duas décadas. Claro que a extrema-direita americana não recebeu muito bem a produção e tentou desmerecê-la por "exageros" por sua equipe criativa. Ora, não se pode esquecer que se trata de um produto de entretenimento e liberdades são tomadas para efeitos dramáticos. O pano de fundo, porém, muito bem representado por imagens da CNN e outras emissoras de notícias é totalmente verídico.

Por seu segundo ato humanizado, o discurso mais engajado, feito rumo ao desfecho do longa, não parece forçado e entra naturalmente na cabeça do espectador, seja ele tão politizado quanto o personagem de Sean Penn ou não. O controle de informações para desviar a atenção do público não prejudica o poder, ou aqueles envolvidos na história. Prejudica o povo, que aos poucos, conforme o tempo passa, pode começar a se sentir traído por aqueles que foram escolhidos para representá-los. No fim, a mensagem se aplica a qualquer país que queira honrar sua democracia e que não busca ser lembrado por guerras forjadas na mentira e na paranóia de sua população.

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Crítica: Assassino A Preço Fixo (2011)

Na versão original de Assassino a Preço Fixo, o diretor Michael Winner apresenta o personagem Arthur Bishop de forma espetacular. São 15 minutos sem um único diálogo e que servem para mostrar como o assassino interpretado por Charles Bronson é metódico e "limpo" em suas mortes. Sem precisar de frases de efeito ou alguma cena de ação mirabolante, o espectador capta a essência de Bishop, tornando o restante do longa um bom exemplo de roteiro sem pressa pra contar a história, com a trama evoluindo conforme os acontecimentos, sem nada forçado. Soma-se a isso o subtexto já comentado aqui, o filme original pode não ser uma obra-prima, mas é uma daquelas produções em que se percebe um desenvolvimento e uso de técnicas cinematográficas cada vez mais raras hoje em dia.

O novo Assassino a Preço Fixo, com Jason Statham como protagonista, joga tudo isso pro alto. Embora os elementos de construção do personagem principal estejam lá, graças a falta de uma forma mais natural de apresentá-los, eles surgem brusca e gratuitamente na tela, quase subestimando o poder de dedução de quem assiste.

A trama é basicamente a mesma. Bishop é um assassino de aluguel que vê no filho de um antigo amigo a chance de treinar um substituto (vivido agora por Ben Forster).

Quem dirige é Simon West, um cineasta sem grandes qualidades a não ser criar boas cenas de ação. Nisso, o filme não faz feio, embora demore um pouco a engatar sua primeira sequência mais movimentada. Vale destacar também a fotografia que reforça cores quentes e até adiciona um granulado emulando um pouco o visual setentista. O problema de Assassino... está nas conveniências do roteiro. Se na versão original, o diretor prefere não mostrar a cena de sexo de Bronson com uma prostituta, aqui, ela aparece de forma selvagem e grosseira, sem acrescentar nada ao personagem (a não ser uma certa bipolaridade: o sujeito calmo e quase zen, na hora do sexo libera toda sua energia contida). Outra brincadeira com a inteligência do espectador é forçar uma trama de vingança. Enquanto, como dito acima, o original se vale de uma ação gradual que convence, aqui as coisas começam a acontecer sem a menor lógica para dar alguma motivação para a trama. Coincidências como a cena em que um personagem que Bishop dava por morto, aparece justo no aeroporto em que o protagonista estava, ou Steve perceber a arma que fora de seu pai e deduzir que este fora morto pelo personagem de Statham, só servem para menosprezar a boa vontade de quem gastou alguns trocados para assistir ao filme no cinema. E também pra demonstrar como os roteiristas hoje em dia são covardes em não assumir a natureza assassina e mercenária dos protagonistas. Sim, porque se no original matar era a profissão, agora se torna um meio para um fim mais "nobre".

No fim, a refilmagem vai se tornar aqueles filmes de Super Cine, com sua trama rasa e visual bacana e que você provavelmente nem vai lembrar que assistiu quando acordar no domingo de manhã.

P.S.: uma coisa preciso reconhecer: os pôsteres do filme foram muito bem feitos, a maioria fazendo referência aos anos 70 e até mesmo um que replica o pôster do primeiro filme.

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Cenas Memoráveis (Bônus da Semana) - Era uma Vez no Oeste

No começo desta semana finalmente pude conferir no cinema a animação Rango, que além de ser engraçadíssima, é um deleite pra cinéfilos e admiradores da cultura pop. Referências e mais referências pipocam pela tela, seja no visual extremamente bem construído ou na trilha de Hans Zimmer (que tem demonstrado um amadurecimento absurdo de uns 3 anos pra cá). A história do lagarto que chega em uma cidade no deserto de Mojave pra se descobrir um herói traz como maior inspiração o cinema de Sergio Leone e seus colegas diretores do subgênero Western Spaghetti, como ficaram conhecidos os bang-bang produzidos na Itália.

Porém, uma das referências que mais me chamou atenção foi o uso do som em algumas cenas. Leone ficou famoso por seus closes nos olhos dos protagonistas e seus enquadramentos mais intimistas, mas quem assiste seus filmes não pode deixar de notar como a edição de som é importante para definir o "clima" da cena em questão. E Gore Verbinski, o diretor de Rango, usa isso em vários momentos de tensão, como o duelo final na rua principal de Poeira, a cidadezinha que parou no tempo do Velho Oeste.

Um bom exemplo dessa característica do cinema de Leone é a cena de abertura de seu clássico Era uma Vez no Oeste. São 15 minutos de um dos momentos mais tensos do cinema, com grande parte de seu ritmo devido justamente ao som. Pra quem não conhece a cinematografia de Sergio Leone, Era Uma Vez... é um dos filmes mais completos pra se entender a forma como o diretor italiano rodava seus longas. E a cena abaixo é um momento de puro cinema, uma aula de extensão de tempo, cujo maior aluno foi Quentin Tarantino, que fez de seu Bastardos Inglórios quase um Trabalho de Conclusão de Curso da escola cinematográfica Leone. Mas isso é assunto pra outro post. Se você for assistir Rango, com certeza vai se divertir muito mais se conhecer Era Uma Vez no Oeste e Três Homens em Conflito, outra produção do diretor italiano que serviu de inspiração para a animação do lagarto.

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Trilhas Marcantes: Chinatown (1974)

Considerado um dos trabalhos mais importantes de Roman Polanski, Chinatown é um noir revisionista do diretor, com Jack Nicholson no papel de Jake Gittes, um detetive que se vê envolvido em uma trama psicológica de proporções trágicas. A produção ficou famosa por, além de sua trama contruídas em camadas, sua reconstrução de época e também por seu ritmo, inspirado pelos filmes noir dos anos 40. Porém a referência não estaria completa sem um tema que pudesse imediatamente se comunicar com o espectador, e o levasse ao período que o filme se passa.

Philip Lambro foi o compositor escolhido inicialmente para fazer essa conexão, mas o resultado final não agradou, levando o músico a ser demitido. Para substituí-lo foi chamado Jerry Goldsmith, que teve apenas 10 dias para criar uma obra-prima, hoje considerada uma das melhores trilhas já compostas para um filme e que está em nono lugar no Top 25 de Trilhas Incidentais do American Film Institute.

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Dissecação de um filme - Assassino a Preço Fixo (The Mechanic 1972)

Atenção: O post a seguir contém spoilers pesados do filme Assassino A Preço Fixo. Se você pretende assistir a refilmagem que estreia no Brasil em 11 de março, siga lendo por sua conta e risco!

O Segredo de Brokeback Mountain foi um romance homossexual situado num cenário improvável: o mundo dos caubóis americanos, simbolos da masculinidade nas terras do tio Sam.Mas, o filme com Heath Ledger é recente, feito em uma época em que preconceitos têm dado lugar a tolerância. E se nos anos 70, no auge do cinema policial violento e cru de clássicos como Dirty Harry - Perseguidor Implacável ou Operação França, surgisse algo um pouco mais enrustido, mas que fosse tão gay quanto a história de amor dos dois vaqueiros? Pois é, surgiu. E protagonizado por ninguém menos que Charles Bronson, no auge de sua carreira como herói de ação.

A década de 70 foi um período em que a liberação sexual começava a crescer, vindo principalmente do movimento hippie, que pregava a tolerância e respeito independente de cor, opção sexual ou credo. Foi graças a essa abertura que movimentos surgiam pedindo direitos iguais. No cinema, filmes como Um Dia de Cão (1975) de Sidney Lumet, tratavam da questãocom muita naturalidade. Porém, este clássico com Al Pacino tem um público alvo que permitia essa abordagem, diferente de Assassino a Preço Fixo, de 1972. Voltado para o espectador de filmes de ação, que tinha em Dirty Harry seu mais recente exemplar de herói durão, o filme mostra Charles Bronson como Arthur Bishop, um assassino de aluguel que faz amizade com o filho de um velho amigo, Steve Mckenna, interpretado por Jan-Michael Vincent, e vê no rapaz um provável substituto para quando o momento de sua aposentadoria chegar.

A primeira cena em que os dois se encontram se passa na casa do amigo do personagem de Bronson. Eles estão bebendo e o rapaz aparece. O primeiro take mostra Bronson ao fundo, longe, quando de repente, surge Steve, ou melhor, seu traseiro. Corta para o próximo take, plano fechado no rapaz, sugerindo uma troca de olhares com Bronson. Corta para Bronson, que vê o jovem e a cena também sugere uma troca de olhares. Confira a sequência de imagens abaixo.

Logo depois, Bronson vai para um quarto de hotel onde encontra uma moça que o espectador logo deduz ser uma namorada ou antiga paixão. Ela reclama de sua ausência e lê uma carta de amor pra ele. É notável a falta de sentimento de Bronson, e quando a mulher começa a chorar, ele se comove, a abraça e ela o beija. Ele, aos poucos passa a desviar a cabeça, olhando pra cima e ignorando as carícias dela. Em seguida a põe no colo e a leva pra cama. Era muito comum nessa época, principalmente nesse tipo de filme, uma cena de nudez ou até mesmo do ato sexual, para reforçar que aquele seria um personagem extremamente masculino. Aqui, por outro lado, temos um corte já para o dia seguinte. Bronson está terminando de se vestir e a mulher ainda está dormindo. Ele arruma o cabelo várias vezes e pra terminar, deposita uma quantidade de dinheiro numa caixa, revelando então que sua parceira é uma prostituta. Quando está indo embora, ainda reclama para que da próxima vez, a carta seja mais educada.

Na sequência, o protagonista vai até um parque aquático e sofre um desmaio. O médico que o atende na emergência desconfia que o diagnóstico tenha sido um ataque de ansiedade e sugere que Bronson procure um psicólogo. Seriam sinais de que o assassino está com crise de consciência ou que o "machão" começa a ter dúvidas quanto a sua masculinidade?

A cena seguinte mostra Bishop de manhã em sua casa. Ele se levante e percebe um carro parado em frente. Sai de roupão vermelho e vai até o veículo. Supreende Steve, e o chama para entrar. Após algumas cenas dos dois saindo para pilotar um avião, jogar squash e beber num bar, Bronson finalmente explica a natureza de sua profissão. O rapaz se mostra interessado e o protagonista resolve então treiná-lo para ser seu ajudante e, talvez, seu substituto. O espectador vê então uma cena em que os dois estão treinando tiro. Logo depois da exibição de quem usa melhor a espingarda (não preciso explicar o significado dessa cena, certo?), duas cenas surgem de forma muito curiosa. Bronson leva seu pupilo para um museu de cera e depois para um jantar num lugar bem sofisticado. Praticamente o programa padrão para um casal de namorados.

As próximas cenas mostram o assassino viajando para a mansão de seu empregador, que o repreende por envolver alguém novo em seu serviço. E passa para ele uma missão na Europa. Ao voltar pra casa, a primeira coisa que faz é ligar pra Steve, e se decepciona quando este não atende o telefone. Como um profissional preocupado ou como um namorado ciumento, Bronson parte para a casa do rapaz e não o encontra. Porém, descobre uma ficha como as que ele recebe indicando seus alvos. A surpresa é descobrir que a ficha era sobre ele. Volta pra casa, sem levantar suspeitas. Corta para Bishop, de roupão. Steve entra e é indagado sobre onde esteve. Quando a resposta era que estava com uma garota, Bronson imediatamente corta o assunto, dizendo que não quer saber dos detalhes. Diz que seu proximo serviço é na Europa e o jovem se oferece para ir. A reação do protagonista não poderia ser mais apaixonada, quando abre um enorme sorriso: "Por que não?". Corta para Bishop deitado em sua cama no que deveria ser um momento de preocupação. Porém, a forma comoa cena é construída o situa num momento de frustração. Abraçado em seu travesseiro e fazendo bico, Bronson se sente traído.

Na Itália, começam os preparativos para eliminarem o alvo. Nada que impeça uma tarde romântica ao som de um cantor de rua, que toca e canta O Sole Mio.

Depois de toda a ação, o desfecho não poderia ser mais inspirado em histórias de amor impossível. Bronson está com as malas prontas para voltar para a América e se depara com seu aluno, abrindo uma garrafa de vinho. Os dois bebem, mas há algo errado. O experiente assassino sente um sabor estranho e um odor vindo da taça. Começa a passar mal e seu aprendiz explica o veneno usado. Ele tem poucos minutos e morre, ouvindo o rapaz se gabar de seu feito.

Sozinho, o aluno que agora deveria tomar o lugar de seu mestre, volta para os EUA e ao entrar em seu carro encontra um bilhete e também sua sentença de morte, ao terminar de ler, uma grande explosão toma conta de seu veículo, terminando com os dois personagens mortos.

Assassino a Preço Fixo é um filme quase único. Seu subtexto homoerótico talvez tenha passado sem ser notado na época de sua exibição, mas hoje é impossível assistí-lo sem percebê-lo. O diretor Michael Winner foi responsável também, neste filme, por coreografar uma cena de perseguição de motocicletas muito bem. É digna de cenas do gênero como o já citado Operação França e Bullitt. A sequência na Europa também foi muito bem rodada e lembra um pouco os filmes de James Bond com Sean Connery, na construção das cenas de ação e na fotografia.

Agora em 2011, em que os tempos permitem uma abordagem mais aberta do tema, a refilmagem com Jason Statham tem a chance de ser um filme diferente do original justamente na relação dos personagens. Ao invés do assassino enrustido, Statham poderia muito bem encarnar um herói de ação que não tem dúvidas quanto a sua sexualidade e vê no jovem Steve, agora interpretado por Ben Foster, mais do que um pupilo, mas a chance de ter um parceiro no trabalho e no amor. Dificilmente, porém, o diretor da nova versão, Simon West, partiria por esse caminho. Pois mesmo agora, em que o espectador deveria ser mais liberal, falta coragem em desconstuir o herói másculo, que se envolve em grandes perseguições, mas que a noite, quando ninguém está vendo, dorme abraçado com um travesseiro.

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Oscar: Palpites e (meus) favoritos

A entrega do Oscar acontece no próximo domingo e resolvi criar um post com palpites. Vou dizer quem eu acho que vai levar o prêmio e quem eu acho que deveria. Então, vamos ver se acerto alguma coisa.

Obs.: Como não vi nenhum dos indicados a curta-metragem ou documentário, não vou opinar sobre essas categorias.

Melhor filme

Essa é a principal categoria do Oscar e a mais difícil de predizer. Mas vamos lá. Acho que a Academia vai se render a Aronofsky. Cisne Negro é um filme completo, digno da estatueta. Porém, gostaria muito que A Origem levasse o prêmio. Por ser uma ficção científica para as massas, mas ao mesmo tempo ser um ótimo exemplar de cinema. Merecia. Mas acho difícil. Os indicados são:

Cisne Negro
O Vencedor
A Origem
O Discurso do Rei
A Rede Social
Minhas Mães e meu Pai
Toy Story 3
127 Horas
Bravura Indômita
Inverno da Alma

Melhor diretor

A segunda mais difícil, os concorrentes são muito bons. Darren Aronofsky deve levar principalmente porque já deveria ter ganho esse prêmio. Mas eu também gostaria de David Fincher levantando a estatueta. Ele também já deveria ter levado um Oscar pra casa.

Darren Aronofsky – Cisne Negro
David Fincher – A Rede Social
Tom Hooper – O Discurso do Rei
David O. Russell – O Vencedor
Joel e Ethan Coen – Bravura Indômita

Melhor ator

Bem provável que Colin Firth leve o prêmio, afinal ele tem recebido muitos elogios e já ganhou o BAFTA, o equivalente inglês do Oscar. Pessoalmente gostaria do Jeff Bridges. Seria seu segundo Oscar seguido além do segundo Oscar pro personagem, que fez John Wayne ganhar seu primeiro e único homenzinho dourado pelo Bravura Indômita original.

Jesse Eisenberg – A Rede Social
Colin Firth – O Discurso do Rei
James Franco – 127 Horas
Jeff Bridges – Bravura Indômita
Javier Bardem – Biutiful

Melhor atriz

Não tem pra ninguém. Natalie Portman se não ganhar esse prêmio, não ganha mais. A interpretação dela em Cisne Negro é visceral, tem que levar.

Nicole Kidman – Reencontrando a Felicidade
Jennifer Lawrence – Inverno da Alma
Natalie Portman – Cisne Negro
Michelle Williams – Blue Valentine
Annette Bening – Minhas Mães e meu Pai

Melhor ator coadjuvante

Christian Bale, pelo tanto que se doou para o personagem deve levar esse prêmio. Mas Jeremy Renner também dá um show em Atração Perigosa. Esse eu empato com os dois. O que levar eu me contento.

Christian Bale – O Vencedor
Jeremy Renner – Atração Perigosa
Geoffrey Rush – O Discurso do Rei
John Hawkes – Inverno da Alma
Mark Ruffalo – Minhas Mães e meu Pai

Melhor atriz coadjuvante

Hailee Steinfeld, por favor.

Amy Adams – O Vencedor
Helena Bonham Carter – O Discurso do Rei
Jacki Weaver – Animal Kingdom
Melissa Leo – O Vencedor
Hailee Steinfeld – Bravura Indômita

Melhor longa animado

Como esses dois podem concorrer com um longa animado que também está no páreo para Melhor Filme? Toy Story 3 deve levar e é o que eu gostaria também.

Como Treinar o Seu Dragão
O Mágico
Toy Story 3

Melhor filme em lingua estrangeira

Biutiful deve levar. Também torço por ele.

Biutiful
Fora-da-Lei
Dente Canino
Incendies
Em um Mundo Melhor

Melhor direção de arte

Guy Hendrix Dias fez um ótimo trabalho em A Origem, mas, como a Academia gosta de pompa, O Discurso do Rei deve levar.

Alice no País das Maravilhas
Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte I
A Origem
O Discurso do Rei
Bravura Indômita

Melhor fotografia

Jeff Cronenweth fez um trabalho digno de seu pai, Jordan, em A Rede Social. Wally Pfister continua o a parceria com Christopher Nolan em A Origem. Talvez um deles leve (é, esse eu fico entre dois). Mas, Roger Deakins, de Bravura Indômita, merece muito esse prêmio.

Cisne Negro
A Origem
O Discurso do Rei
A Rede Social
Bravura Indômita

Melhor figurino

Discurso do Rei deve levar, e se acontecer, será muito justo.

Alice no País das Maravilhas
I am Love
O Discurso do Rei
The Tempest
Bravura Indômita

Melhor edição

127 Horas tem uma edição digna de videoclipes e ajuda a manter o filme num ritmo constante. Mas, numa linha mais clássica, Cisne Negro possui uma edição belíssima, principalmente nos momentos finais. Torço pra este último, mas minha aposta é o primeiro.

Cisne Negro
O Vencedor
O Discurso do Rei
A Rede Social
127 Horas

Melhor trilha sonora

Hans Zimmer criou mais que uma trilha em A Origem. Ele deu alma ao filme. Os outros indicados só fizeram o feijão com arroz. Talvez o mais inovador tenha sido Trent Reznor em A Rede Social, mas mesmo assim, não bate a utilização impecável da música no filme de Chris Nolan.

Alexandre Desplat – O Discurso do Rei
John Powell – Como Treinar o seu Dragão
A.R. Rahman – 127 Horas
Trent Reznor e Atticus Ross – A Rede Social
Hans Zimmer – A Origem

Melhor canção original

If I Rise faz a linha que geralmente leva a estatueta, a de pop chato. Minha torcida fica para We Belong Together de Toy Story 3.

“Coming Home” – Country Strong
“I See the Light” – Enrolados
“If I Rise” – 127 Horas
We Belong Together – Toy Story 3

Melhor Maquiagem

O Lobisomem deveria levar pela criatura ser mais baseada em maquiagem do que em efeitos visuais. É a minha aposta e torcida também.

O Lobisomem
Caminho da Liberdade
Minha Versão para o Amor

Melhor Edição de som

Não tem nem o que dizer, A Origem leva esse.

A Origem
Toy Story 3
Tron – O Legado
Bravura Indômita
Incontrolável

Melhor Mixagem de som

Torço pra Origem, mas A Rede Social é um concorrente forte.

A Origem
Bravura Indômita
O Discurso do Rei
A Rede Social
Salt

Melhor Efeitos especiais

O melhor efeito especial é aquele que você nem percebe que está lá. Nolan faz isso com seus efeitos tão inerentes à história que parecem orgânicos e não digitais. A Origem de novo é minha torcida, porém, Homem de Ferro 2 faz a linha exagerada que costuma impressionar os velhinhos da Academia.

Alice no País das Maravilhas
Harry Potter e as Relíquias da Morte – Parte I
Além da Vida
A Origem
Homem de Ferro 2

Melhor Roteiro adaptado

A Rede Social deve levar, mas Bravura Indômita adapta tão bem o humor ácido do livro original que sou obrigado a ter esse como favorito.

A Rede Social
127 Horas
Toy Story 3
Bravura Indômita
Inverno da Alma

Melhor Roteiro original

Meu favorito é A Origem. Mas pela idéia e por ser tão voltado pra superação, a Academia deve premiar o Discurso do Rei.

Minhas Mães e meu Pai
A Origem
O Discurso do Rei
O Vencedor
Another Year

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